Estenopeicas en Carhué


Balneario El Cristo - Carhué, Bs As Argentina / Toma Estenopeica - 20 min de exposición


Lago Epecuén - Carhué, Bs As Argentina
Toma Estenopeica - 10 min de exposición


Se conoce como fotografía estenopeica a la técnica mediante la cual se obtienen fotografías y negativos sin prácticamente nada de equipo. Se realiza con una cámara estenopeica, una de las cámaras fotográficas más sencillas, dotada de película fotográfica y una lámina opaca con un agujero del grosor de una aguja. A este agujero se le llama estenopo y da nombre a la técnica. En inglés se lo denomina pinhole (agujero de aguja).

Es una de las primeras técnicas utilizadas en el ámbito de la fotografía. Sin embargo, aún es practicada esporádicamente tanto por fotógrafos profesionales como por aficionados a la fotografía y a la fotografía artística. Es utilizada sobre todo en esta última por las imágenes tan definidas y únicas que se obtienen mediante ella.

La característica principal de las imágenes obtenidas mediante este método es la profundidad de campo infinita. Esto significa que en la fotografía resultante se ve claramente cualquier punto sin necesidad de ningún encuadre especial, como tendría que aplicarse al usar cualquier lente de equipo profesional.

El proceso de obtención de imágenes perfectas es tecnificado con la introducción de fórmulas para distancias focales entre el estenopo y el diámetro del estenopo, convirtiéndola en un género único de carácter rústico e independiente dentro de la fotografía, aunque no muy conocido ni totalmente aceptado por la manera tan simple por la cual se obtienen las imágenes.

Los fotógrafos aficionados a esta técnica generalmente construyen su propia cámara estenopeica, utilizando desde simples cajas de cartón y latas de alimentos hasta la modificación de equipos profesionales como las cámaras réflex o cámaras de fuelle, sustituyendo las lentes por placas con un estenopo.

22 de noviembre - Día de la Música



Cada 22 de noviembre se celebra en todo el mundo la fiesta de Santa Cecilia, Patrona de la Música, en conmemoración del día de su nacimiento.

La música (del griego: musiké [téjne], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo.

Se dice que no es posible catalogarla de universal, puesto que es un producto cultural que responde a estructuras psíquicas diferentes según cada cultura. Sin embargo, en un mundo donde todo tipo de factores se empeñan en dividirnos, la música es una de las pocas cosas que nos hace iguales, nos une. Su lenguaje nos transporta al mundo de las sin palabras, nos libera del ser hombres para dialogar con el pájaro y el viento, trasciende todo tipo de fronteras y hace vibrar a cualquiera que porte vida en esta infinita tierra.

la Fotografía del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir/grabar con la luz", es, en manos talentosas y sencibles, un medio de creación implacable, donde se combinan también, de manera coherente y armónica, formas y ritmos.

Es notable la importancia que tiene la fotografía en el mundo de la música, quien fuera la encargada de explotar la figura del "Rey del Rock" Elvis Presley, por dar un ejemplo.
Y si digo Abbey Road, estaré hablando de una calle de Londres, Inglaterra; el álbum de The Beatles (1969); el estudio de grabación; y la magnífica foto de Ian McMillan.

Cantidad de imagenes traducidas en sonidos. Leí de un músico que compone tomando fotografías emocionales. Y vi fotos al escuchar ciertas músicas.

Celebremos entonces, como fotógrafos, el día de la música, y saludemos especialmente a aquellos que saben emocionarnos, inspirarnos y darnos tantas imagenes, al componerla y/o interpretarla.







Nikki Pieper - Tallerista - San Fernando, Bs As, Argentina

Arte y Miedo





La aventura del arte exige tiempo y dedicación. Lo interesante es el proceso, no los resultados. Hay que aprender a soltar la mano y no tenerle miedo a lo que salga... Lo que el artista debe aprender sobre su próxima obra está dicho en la última que realizó. Cada linea de un cuento, de una novela y hasta de un ensayo o una tesis, lleva implicita su continuación. Cada linea va proponiendo la siguiente.





"EINSTELLUNG"


Wim Wenders - Disparar fotos


¿Qué es entonces el culatazo del fotógrafo?
¿Cómo nota uno su impacto?
¿Cómo afecta al tema
y qué rastro deja en la fotografía?
En alemán hay una palabra muy reveladora
para este fenómeno,
una palabra conocida en diversos contextos:
"EINSTELLUNG".
Significa la actitud
con la que alguien se acerca a algo
psicológica o éticamente,
esto es, la manera de sintonizar con algo
y de "asimilarlo" después.
Pero "Einstellung" también es un término que viene de la fotografía y el cine,
y que significa tanto la "toma" (una toma concreta y su encuadre)
como el modo de ajustar la cámara
en términos de la apertura y la exposición
con las que el cámara "saca" la foto. (...)

Alexis Abratte - Tallerista - San Fernando, Bs As, Argentina

FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL PARADOJA DE LA REALIDAD







...Es cada vez mas difícil establecer barreras o fronteras precisas entre los géneros, las técnicas, las interpretaciones, las intenciones o las lecturas de la fotografía. Cuando hablamos del trabajo documental, ¿de qué fotografías estamos dejando de hablar?, ¿una imagen por el solo hecho de ser construida pierde este carácter de documento?, ¿cómo podríamos establecer las características básicas que nos definan a la fotografía documental?, ¿es esta manera de fotografíar un conjunto de certificados de veracidad?, ¿la foto no documental es entonces un montón de mentiras?...

...Tal vez todo empezó cuando se decidió que la fotografía documental en blanco y negro reflejaba a la realidad, cuando ni siquiera nos preguntamos por que aceptábamos esto cuando la realidad es a colores; ahora cada vez es más difundida la idea de que la fotografía es sólo una representación de la realidad y como tal esta matizada por el autor; hablar en estos tiempos del autor, de la fotografía de autor, no es hablar de firmar una imagen, no es hablar de un estilo coherente de fotografiar, es hablar de responsabilizarse (de la misma manera que lo hace un escritor), del contenido.
Documentar es interpretar y comunicar, documentar es ser capaz de percibir y transmitir, documentar es reflexionar y compartir, aclarar preguntándose, cuestionar afirmando, negar mostrando, apoyar escondiendo, combatir desplegando, entender confrontando...

...La fotografía tiene mucho por hacer; no sólo informando atenta a una realidad marcada por el reloj de los acontecimientos, sino también y sobre todo, por la representación de esta realidad ambigua que invita a la reflexión, por el análisis y el planteamiento creativo ya que, recordemos, la acción de ver es una acción del pensamiento.

Quisiera finalizar con estas palabras de Diane Arbus: "si se observa la realidad desde bastante cerca...la realidad se vuelve fantástica". Entendamos este calificativo de una manera ambigua: como fascinante y como fantasiosa, esto último desde luego, es agregado mío.


(fragmentos tomados de "fotografia documental" de Francisco Mata Rosas)


Día de Muertos

En México más que una festividad Cristiana es una celebración donde se mezclan tanto la cultura prehispánica como la religión católica.Dentro de éstas tradiciones se mezclan sentimientos contrastantes, como lo son el dolor de perder a un ser querido, unidos al colorido de la fiesta y la diversión.
La festividad del día de los muertos de divide en dos partes, la primera el día de todos los santos celebrada el 1 de Noviembre y la del día de los muertos del día 2 de Noviembre.

La muerte está unida a la vida, y por lo tanto unida al arte.
A lo largo de la historia del hombre la muerte se ha representado de las formas más variadas


Rembrandt: Lección de anatomía


Freddy Alborta: El cadáver del ‘Che’


Marcos López: La autopsia

En la Lección de anatomía, de Rembrandt, el cadáver aparece como un objeto carente de significado. Es decir, el cadáver aparece divorciado de la muerte. El énfasis que puso Rembrandt en las capacidades constructivas y expresivas de la materia pictórica nos convence fácilmente de que el verdadero tema de ese cuadro es la representación, más que lo representado. Para que no queden dudas, deja que al menos uno de los personajes mire al espectador. Si fuera una fotografía diríamos que “mira a la cámara”. De hecho, lo que más me atrae de ese cuadro es que parece responder a una estructura visual que es ahora inherente al acto fotográfico. Mediante esa estructura visual es que lo fotográfico se enuncia a sí mismo. Lo fotografiado se exhibe como “observado” y con esto denuncia la mirada del fotógrafo. El personaje que nos mira desde el último plano del cuadro de Rembrandt, también está devolviendo una mirada. Podemos decir que es sobre todo una mirada presentida. Con ese gesto nos obliga a evocar, casi con nostalgia, la mirada del pintor.

La escena está dispuesta para la mirada del pintor. Aunque el sujeto que hace la disertación se esfuerza en mirar hacia un punto ciego, donde el pintor evidentemente no está (y se esfuerza tanto que parece ignorar incluso a los otros personajes que atentamente se inclinan hacia él) lo cierto es que demuestra estar actuando con plena consciencia de la presencia del pintor. Las personas se distribuyen alrededor del cadáver, de manera que no se obstruya el punto de vista del pintor. La historia de la fotografía demostró después que ese es el mejor ángulo para fotografiar un cadáver, sobre todo cuando su exhibición busca sustraerlo del ámbito metafísico de la muerte.

La fotografía del cadáver de Ernesto Guevara yaciendo en un lavadero tampoco habla de la muerte, al menos no en términos metafísicos. Una metafísica de la muerte depende de cierta dosis de alegoría, y un cadáver exhibido es demasiado autosuficiente como para ser alegórico. Aquí lo importante es la identificación del muerto, la atribución de un nombre, la constatación de un hecho. Esa fotografía fue ante todo, noticia. Y pretendió ser, por encima de todo, un documento. Pero ya sabemos que la función principal del documento es confirmarnos que algo ocurrió o existió, y que en ese pretérito se encierra gran parte de las posibilidades estéticas de una foto. La foto, por sí misma, es siempre un documento de lo irrecuperable.

La composición es muy similar a la de La lección de anatomía. No es una cita, por supuesto, es solamente la repetición de un momento. Una lectura estética de esta foto no dependería tanto de la comparación con el cuadro de Rembrandt como del análisis de los efectos que tiene en nosotros la contemplación de este cuerpo muerto, tan propio, tan dedicado a sí mismo. Ese cadáver, objeto de escrutinio, es una cosa, que sólo adquiere personalidad con la identificación. Pero la subjetividad que tuvo alguna vez es una ausencia. Y esa ausencia sólo puede ser captada estéticamente, lo que es decir, mediante la conmoción interna de nuestra relación afectiva con lo real.

Si fuéramos a buscar algún tipo de enunciado en una fotografía como Autopsia (2005), de Marcos López, tendríamos que incluir todo lo mencionado hasta ahora en relación con el cuadro de Rembrandt y con la foto del Che. Porque aquí, con toda intención, el autor ha reconstruido una estructura para exhibirla como lo que es: un modelo de representación. Pero Marcos López va un poco más allá, pues además de un esquema de representación de un cadáver (como hecho y como noticia también) está sugiriendo que la muerte (o su alegoría) son suplantadas cotidianamente por la representación. En esta foto, lo alegórico se refugia en la cita. La muerte del sujeto fotografiado es evidentemente ficticia –y en tal sentido es también alegórica- pero no se refiere a una Muerte total, sino a los modos en que esa muerte total ha visto socavada su condición metafísica por sucesivas representaciones. En verdad, lo que presiento en esa foto es la muerte (o tal vez la autopsia) de un modelo iconográfico que se remonta a La lección de anatomía y que pasa por las varias fotografías que existen del cadáver del Che Guevara (en ese modelo podríamos incluir las fotos del cadáver de Zapata o el Cristo de Mantegna, por ejemplo).

Si en los antecedentes de esta foto podemos encontrar la exhibición (la exhibición del cadáver, en última instancia) como parte del tema representado, aquí a lo que asistimos es a la exhibición como valor general y justificación de la obra misma. Un valor que neutraliza las posibilidades de culto (culto a la muerte o culto al cadáver, culto al original o culto a la pérdida en fin de cuentas). Se ha neutralizado por lo tanto la posibilidad del duelo y de la nostalgia.

SALIDA FOTOGRAFICA - CARHUE Y EX VILLA EPECUEN


  • SALIDA: Sábado 6 de noviembre a las 6:30 hs, desde Palermo

  • REGRESO: Lunes 8 de noviembre a las 6:30 hs, desde Carhué

  • Arancel: $380 por persona
Incluye organización, traslados ida y vuelta (salimos en dos autos cuyos gastos de nafta y peaje se deducirán del monto total recaudado), dos noches de alojamiento con desayuno, y actividades en el lugar.

IMPORTANTE!!: Las reservas deben hacerse con un 50% del valor hasta el día límite del Sábado 30 de octubre que se cierra el cupo.

LOS CUPOS son estrictos por cuestiones organizativas, con un minimo de 10 personas, superado este cupo el resto queda en lista de espera buscando completar el siguiente cupo de 15 personas y un auto. Los cupos se cierran el 30 de octubre, con lo cual es necesario que hagan sus reservas con anticipación.

Para conocer el cronograma de actividades y demás temas particulares, no dejen de comunicarse ya sea por mail, o por telefono.

dialogoconlafotografia@hotmail.com
15 6303 3830

NOS VAMOS A CARHUE - Sábado 6 de noviembre de 2010

SALIDA FOTOGRAFICA - CARHUE Y EX VILLA EPECUEN

La laguna Epecuén se encuentra en la provincia de Buenos Aires. Por su alta concentración salina, la laguna es hipermarina, diez veces superior al mar. Se aprovecha para combatir depresión, afecciones reumáticas y de piel y agotamiento psicofísico. La ciudad de Carhué y la ex Villa turistica Lago Epecuén se encuentra a orillas de esta laguna.
A principios de 1800 la laguna ya era famosa por las propiedades curativas de sus aguas debido a que estas poseen una mineralización superior a las de otros lugares del mundo.
En la década de 1920 se comienza a vislumbrar un gran futuro para el Lago Epecuén. Así, varios pioneros y visionarios efectúan obras cuyo fin es dar a los bañistas de Buenos Aires y demás puntos confort y servicios. La sociedad anónima Minas Epecuén fue, junto a Arturo Vatteone uno de los pioneros en la explotación.
Debido a su problema ancestral: la falta de agua, comienza a verterse agua al lago a travéz de obras hidraulicas mal efectuadas, lo que hace que se deba construir en 1978 un murallón para contener el ingreso del agua al ejido.
El Lago Epecuén es la ultima laguna, y por ende más baja, del llamado sistema de Lagunas Encadenadas del Sudoeste. Dicho sistema es endorreico, es decir no posee salida al mar.
Esto funcionó sin variantes durante 60 años hasta que el 10 de noviembre de 1985 el agua lo inundó todo. La defensa del terraplén de piedra y tierra no soportó el enorme caudal de agua que envió la improvisación hidrológica interprovincial, desde otra cuenca ajena al sistema de las Lagunas Encadenadas. La Villa desapareció. Así, para 1986, el pueblo de Villa Lago Epecuén poseía 4 m de agua en sus calles, llegando en 1993 a más de 10 m.
Hace poco tiempo el agua se retiró, dejando al descubierto las ruinas de lo que alguna vez fue una villa turística muy lujosa.
Mientras tanto Carhué en 1989, pasado el shock, inicia su renacimiento.

  • SALIDA: Sábado 6 de noviembre a las 6:30 hs, desde Palermo

  • REGRESO: Lunes 8 de noviembre a las 6:30 hs, desde Carhué

  • Arancel: $380 por persona
Incluye organización, traslados ida y vuelta (salimos en dos autos cuyos gastos de nafta y peaje se deducirán del monto total recaudado), dos noches de alojamiento con desayuno, y actividades en el lugar.

IMPORTANTE!!: Las reservas deben hacerse con un 50% del valor hasta el día límite del Sábado 30 de octubre que se cierra el cupo.

LOS CUPOS son estrictos por cuestiones organizativas, con un minimo de 10 personas, superado este cupo el resto queda en lista de espera buscando completar el siguiente cupo de 15 personas y un auto. Los cupos se cierran el 30 de octubre, con lo cual es necesario que hagan sus reservas con anticipación.

Para conocer el cronograma de actividades y demás temas particulares, no dejen de comunicarse ya sea por mail, o por telefono.

dialogoconlafotografia@hotmail.com
15 6303 3830

Adriana Lestido y Dorothea Lange - en el día de la madre

Hubo en Adriana una primera foto. Y no fue suya sino de Dorothea Lange. Se trataba de uno de los tantos registros que Lange había hecho en tiempos de Gran Depresión americana: una mujer con sus hijos, sumida en la desesperanza de esos días terribles.

Adriana vio esa imagen y supo, antes en el cuerpo que en cualquier otra parte, que iba a ser fotógrafa. A fines de los ‘70 empezó a registrar niños en las plazas. Y en 1982 se inició como reportera gráfica en el diario La Voz, donde estuvo hasta 1984, cuando entró a la agencia Diarios y Noticias (DyN).

En el medio de todo eso, hubo una mañana.

Una mañana de 1982, en la que habían enviado a Adriana a cubrir una manifestación donde se exigía una respuesta por los miles de desaparecidos de la última dictadura militar. Adriana –quien había entrado a La Voz hacía una semana- tenía sólo veinticuatro años y una cámara. Eso fue suficiente para poder mirar: frente a ella había una madre y una hija con pañuelos blancos sobre la cabeza, gritando su dolor y su furia por un hombre -marido y padre a la vez- que aún no daba señales de vida. Ni las daría nunca. La escena reescribía, a su manera, la imagen de Dorothea Lange: el vacío, la soledad y el asco de existir armaban su geografía en ese par de mujeres.

Adriana tomó la foto. Y sucedió el comienzo.

REUNION DE TALLERISTAS - Domingo 17 de octubre 19 hs


REUNION DE FOTO - CINE

La idea es conocernos, compartir, intercambiar, y pasarla bien!

nos juntamos a ver una peli y a Dialogar con la Fotografía...

Confirmen asistencia!!

es en Vicente López!

Los esperamos!

Enrique Sokolowicz (Tallerista) - Bs As, Argentina



Un cotidiano color verde – (texto por Verónica Palermo)

Recuerdo un libro, “Tokio Blues, Norwegian Wood” de Haruki Murakami.

Midori dijo:

-"Yo creo que el amor es eso. Pero nadie me comprende.- (...) Para cierto tipo de personas el amor surge con un pequeño detalle. Y, si no no surge…”

Detalles, cosas, pequeñas cosas, cotidianidades. Lo cotidiano es lo que se escribe día a día, todos los días. Diariamente, cotidianamente. Cada día.

Me preguntaba entonces ¿Qué cosas forman parte del cotidiano? y ¿Cómo cobran sentido estas cosas?

Y por ahí leí que:

Lo cotidiano requiere del “contacto” del día a día, de esa fricción, ese roce diario. Hay algo tremendamente seductor en lo cotidiano

Ese roce que seduce, genera, sin embargo y al mismo tiempo, un desgaste...

Como fotógrafos, como artistas, o como individuos, hacemos hincapié en recrear lo cotidiano, en la magia de lo cotidiano y en el valor de las pequeñas cosas; para devolverle inocencia a lo que hemos visto múltiples veces. Para evitar "la nausea de lo cotidiano", para recordar como son los objetos, para darles vida, para romper, para qué?...

Como sea, hay poesía en estos objetos, tan nuestros, tan llenos de eso "tan cotidiano". Tan bellos y tan cargados de significación, por lo que justamente significan o significaron, por lo que de vida cuentan, con esa ternura que los caracteriza.

“En el arte como en el amor, la ternura es lo que da la fuerza” O. Wilde

Ah! por cierto, Midori es un nombre de mujer, de origen japonés, que significa "el color verde".

21 de septiembre, día del Fotógrafo

Profesionales o aficionados, simples curiosos, dibujantes de luz y sombra, promotores del gris, dadores de inquietantes colores…

Inmortalizadores, resucitadores de únicos momentos. Magos eternos que hicieron de un beso, una pieza de museo; de un dedal, una poesía; de un cielo, un imposible cielo…

Mostradores del mundo, de este, de otros y de los muy propios…

Caminantes solitarios, descubridores de realidades irreales, de otros gestos.

Veedores de instantes, decisivos, intersticiales, casuales, causales.

Cazadores compulsivos, que disparan para robar almas, sonrisas, lágrimas, belleza, arte, humanidad.

Artistas de la melancolía, que saben detener la vida en soportes fuera de tiempo y sin tiempo…

Fotógrafos, ¡feliz día!

Verónica Palermo

Mil palabras - Por Esteban Peicovich

Cuando un testigo se va


Tal vez sea la primera vez que alguien reparó en él como sujeto, no como objeto. Pero se trata de él. El humilde
cilindro que, por cientos de millones, durante décadas le prestó a la humanidad el servicio de copiarla, guardar sus infinitas variaciones y sostener su memoria paso a paso, clic a clic. Que merezca un primer plano nítido y hasta el lujo de un rulo de celuloide que lo enmarque es porque justo a él, y no a otro, le tocó ser el último rollo de película fotográfica producido por la fábrica de Fuji en Holanda. Una mirada de baja sensibilidad no le daría importancia al dato. Pero sucede que el pequeño elemento lleva en su currículum un valor agregado: esta factoría fue el último lugar de Europa en producirlos. Fueron 24 años dedicados a encapsular por millones la sombra virgen, absoluta. Con el arribo de la técnica digital, el soporte de celuloide pasó a museo y ahora forma parte de la historia de la fotografía.

Que si algo es, es mágica. Un misterio que parece unido a la inquietud por entrever la realidad que nos atrapa al abandonar, semiciegos, la cueva natal. Esa amniótica cámara oscura donde pasamos 9 meses en viaje por alcanzar la photo, esto es, la luz. La pulsión por saber dónde estamos, que convierte a la fotografía en una de nuestras creaciones más bellas y patéticas. No es para nada un arte menor: nació del deseo de apresar lo perdido y de la desesperación por tener (y mostrar) la constancia de nuestra visibilidad. Ella es la semiplena prueba de que hay camino y hay viajero. Que ser y haber sido son mucho más que una conjugación verbal. La fotografía es nuestro certificado de existencia y también el testigo que nos agenda en imágenes del nacer al morir. ¿O no es ella la que da fe de que la creación nos contiene en su álbum?

En esos íntimos naipes que llamamos fotos discurre el río visual de nuestra vida. El film privado que el magnesio o el flash fijaron en sepia, blanco y negro, o color. Su fatal inocencia describe la travesía de la mariposa, el animal único que son toro más torero, la torta de la boda, el temblor del colibrí, la colita del bebe y la máscara de ceniza del muerto. Estos y millones de gestos, viajes, actos y demás manotazos de ahogados que damos en el tiempo. La fotografía fija nuestros puntos sucesivos. Y nuestros puntos suspensivos. La lágrima abuela de 1925 y la sonrisa nieta de 2006.

Ningún acto, salvo el fotográfico, anticipa de modo mágico a la muerte. Por eso nos tiembla la vida cada vez que nos recorremos en un álbum. Nos buscamos dudando frente a esos otros que fuimos y que ahora vemos trasvasados de imagen en imagen en el mutante muestrario que nos guarda. Cientos de fotos apiladas en el fondo de los ojos a la espera de que un clic traiga los pormenores de cada escena fija, de lo claro y lo oscuro de la mitología personal que la memoria, esa avara, retiene o dio al olvido.

Ante este rollo final de una época, emociona pensar en los pioneros. En Niepce obsedido por lograr fotos que pudieran tomarse mediante el simple abrir y cerrar de ojos. El llevó la utopía al origen. La retrotrajo al primer hombre que pintaba para cazar. Al recolector de paisajes y curador de las antiquísimas galerías de arte de Lascaux y Altamira. Emociona también que Daguerre sintiera que fotografiar era robarle presente al pasado. Tatuar la piel del agua (que es como hacer con luz un alfabeto nuevo). Al bucear en las sales de plata, estos dos primeros escritores de luz inventaron al niño que no crece, el ciervo en el acto de saltar, el nadador inmóvil. Sumaron ciencia a la poesía. Y supieron (y tal vez sea el único saber que importe) que "el primer animal visible de lo invisible es la luz", como lo entrevió y nos lo dijo (como ninguno pudo hacerlo mejor) José Lezama Lima, un poeta fotógrafo. Un mirador.

Mi verdugo y yo - por Sandra J Ordoñez (Tallerista ) - Bucaramanga, Colombia

AUTURRETRATO


Robert Mapplethorpe/////////////////////////////////////////Sandra J Ordoñez

El autorretrato es desarrollar un personaje que se interpreta a si mismo, que exorciza tabúes, en una situación reducida e íntima.
En el autorretrato contamos nuestra historia desde la intimidad, estamos solos con la cámara y ante ella, el mundo se reduce a ese espacio mínimo en el que nos podemos ver a nosotros mismos desde afuera y preguntarnos: ¿Quienes somos? ¿que mostramos? y ¿que es lo que estamos buscando?

ULTIMA CONVOCATORIA DEL AÑO!!! NUEVOS Dias y horarios

DIALOGO CON LA FOTOGRAFÍA - Taller de Ensayo Fotográfico

NUEVOS DIAS Y HORARIOS:

Lunes de 18:00 a 20:00 h - En Palermo.
Sábados de 14:00 a 16:00 h - En Vicente López.
Miercoles de 19:30 a 21:30 h - En San Fernando





Un espacio abierto de debate, búsqueda y encuentro con aquella particular manera de retratar “lo real”.
Indagando en el poder sugestivo de la imagen, y entendiendo desde que lugar estamos mirando.
Creando pautas para el acercamiento a un tema, desarrollo, análisis y edición de una narración visual.

NUEVOS DIAS Y HORARIOS:

Lunes de 18:00 a 20:00 h - En Palermo.
Sábados de 14:00 a 16:00 h - En Vicente López.
Miercoles de 19:30 a 21:30 h - En San Fernando



IMFORMES E INSCRIPCION:

15 6303 3830
47600858
dialogoconlafotografia@hotmail.com



Esclavo y Maestro - por Federico Fabré (Tallerista) - Bs As, Argentina


que??? que??? que??? que???
????????
????????
Q?que mmm si!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

un poco más...
estaría bien...
si si!!!!!!!!!!!!!!

no no ... creo que me fui al carajo...

mmm... bueno listo...no puedo

...tanto maestro como esclavo...

FESTIVAL DE LA LUZ - 2010

LOS ENCUENTROS ABIERTOS - FESTIVAL DE LA LUZ


En Argentina, un inmenso conjunto de actividades no comerciales relacionadas con la fotografía artística internacional, que se lleva a cabo cada dos años, recibe el nombre de Encuentros Abiertos- Festival de la Luz.

Se trata de la cuidada presentación de exposiciones de fotógrafos nacionales y extranjeros en distintos museos, centros culturales y espacios de arte de todo el país; conferencias, talleres y mesas redondas sobre la fotografía artística; intervenciones urbanas, proyecciones y acciones en espacios públicos; presentaciones de libros, convocatorias fotográficas y concursos; así como encuentros entre fotógrafos y curadores, críticos especializados, coleccionistas, editores y directores de instituciones interesadas en la imagen fotográfica como medio de relevancia artística, cultural y social.

El Festival de la Luz difunde la fotografía argentina al mundo, busca descubrir talentos emergentes, ratifica la vigencia de los artistas ya consagrados y confronta las diversas tendencias dominantes en el campo de la fotografía artística. Organizado por la Fundación Luz Austral, constituye un referente legitimador de la fotografía en la región, como así también un punto de contacto e intercambio entre los fotógrafos latinoamericanos y los principales eventos mundiales relacionados con la disciplina fotográfica.

En los Encuentros Abiertos, la participación de renombrados artistas internacionales abre permanentes caminos de intercambio. La entrada para todas las conferencias y exposiciones es libre y gratuita. Por la singularidad de sus características, el Festival de la Luz se ha convertido en un evento cultural multitudinario, con actividades programadas simultáneamente en todo el país, de creciente interés para el gran público.

ABRIMOS LA INSCRIPCIÓN PARA LOS TALLERES DE LA SEGUNDA MITAD DEL AÑO

DIALOGO CON LA FOTOGRAFÍA - Taller de Ensayo Fotográfico
A cargo de Karin Benitez y Verónica Palermo

Un espacio abierto de debate, búsqueda y encuentro con aquella particular manera de retratar “lo real”.
Indagando en el poder sugestivo de la imagen, y entendiendo desde que lugar estamos mirando.
Creando pautas para el acercamiento a un tema, desarrollo, análisis y edición de una narración visual.

EL TALLER tiene una duración de 4 meses, tiempo en el que se desarrollará una historia fotográfica.



LOS TALLERES SE DICTAN EN:

PALERMO
("Juana de Oro" - Oro 2988 - 15 6303 3830 - 4760 0858)
*Lunes de 18 a 20 hs

SAN FERNANDO (CELDA 3 en la Carpinteria - Av PErón 1519 - San Fernando - 15 63033830)
*Miércoles de 19:30 a 21:30 hs


VICENTE LOPEZ (Gral Paz y Panamericana - 15 6303 3830 - 4760 0858)
*Sábados de 14:00 a 16:00 hs


INFORMES E INSCRIPCION

dialogoconlafotografia@hotmail.com
www.dialogoyfotografia.blogspot.com
www.dialogoconlafotografia.neositios.com